Cuando hablamos de efecto cinematográfico, no nos referimos a un efecto en concreto, si no a un conjunto de reglas, ideas o parámetros que debemos respetar para que nuestro proyecto adquiera un aspecto profesional parecido a grandes producciones cinematográficas.
Es evidente que esta es mi humilde selección, pero has de saber que aparte de estos 20, todavía podríamos hablar de otro montón de consejos para conseguir ese efecto cinematográfico, algo que por supuesto iré haciendo en futuras publicaciones.
Ya sabes lo que dicen, las reglas están para romperlas. Quiero aprovecharme de esta frase para destacar, que ninguno de estos consejos son imprescindibles para conseguir un efecto cinematográfico, pues como te he comentado arriba, no entiendo este efecto como algo concreto.
Esto es algo que observamos una y otra vez si hacemos un recorrido por grandes películas de Hollywood, pues estoy seguro, entre unas y otras, todas estas reglas se han visto rotas en algún momento, así que te propongo entender éste artículo como una guía de reglas básicas, que las conozcas en profundidad, y que en tu próximo proyecto decidas cuales respetar, y cuales romper. Lo importante es que lo hagas de manera consciente.
En cualquier proyecto en el que nos vayamos a embarcar en nuestra vida, es importante la planificación, mucho más si se trata de contar historias, en este caso, con cámara en mano. Piensa la cantidad de profesionales que se encuentran tras una gran producción cinematográfica, destinados a este fin.
Planificar las secuencias antes de grabar te va a permitir contar una historia mucho más sólida y ahorrar un tiempo considerable, ya que en todo momento sabrás hacia donde tienes que ir, organizarlo todo de antemano para cubrir las necesidades que te van a surgir posteriormente y avanzar de manera fluida.
De forma sencilla y muy básica, te invito a que pruebes a colocar esas barras negras tan estéticas sobre algún proyecto tuyo, verás como de repente éste adquiere un aspecto completamente diferente que de una forma u otra, entendemos como más cinematográfico, ya que se asemeja al famoso formato anamórfico tan extendido en el catálogo de Hollywood. Si quieres conocer más sobre éste formato, te invito a dar una vuelta por Google, ya que hay mucha historia que contar detrás, e infinidad de artículos escritos exclusivamente sobre ésto.
Para colocar estas barras negras, tienes muchas opciones, en concreto yo te comparto dos vías diferentes para que elijas la que consideres más adecuada para tí.
La forma correcta es muy sencilla. Desde tu programa de edición de vídeo, simplemente necesitas crear, o editar una secuencia con una relación de aspecto equivalente al típico 2:35:1. De esta forma estás aplicando un recorte real a tus clips.
Desde un programa de edición de vídeo, en este caso Adobe Premiere Pro, creas una capa de ajuste y la arrastras a la linea de tiempo en una posición que afecte a todo el proyecto, o a la parte que te interesa. A continuación aplicas el efecto "Recorte" y ajustas un recorte por arriba y abajo del 12%.
La otra opción es dirigirte a tu programa de edición de imagen, en este caso Adobe Photoshop, y generar una imagen que albergue estas dos barras negras y un interior transparente, a continuación la arrastras a tu linea de tiempo en una posición que afecte a los clips que te interesan, ajustas el tamaño al fotograma en cuestión y listo.
Entre las cosas que te propongo planificar en el punto anterior, has de saber si querrás conseguir éste efecto en el momento de la edición, si es así recuerda durante la grabación no colocar nada importante en las zonas que se verán cubiertas por estas barras. Una idea es colocar dos trozos de cinta aislante en la pantalla de tu cámara para directamente, no contar con ese área de antemano.
Antes de hablar de éste consejo, si no sabes exactamente lo que es el diafragma, su funcionamiento y cómo éste afecta a tu resultados finales, estás tardando en conocer La Piedra Angular de la Fotografía, donde te explico en profundidad todo lo relacionado con el diafragma para que entiendas el funcionamiento de tu cámara.
Ahora que entiendo que te has leído todo el artículo o visto el vídeo, considero que eres un fenómeno así que continuamos. Utilizar diafragmas abiertos es lo que te ayudará a destacar mucho más objetos y protagonistas, ya que conseguirás fondos mucho más desenfocados. Llevado al extremo, esto es lo que se conoce como el efecto bokeh.
Me gustaría alertarte de no abusar de éste consejo, pues si dispones del típico 50 milímetros con un diafragma de ƒ1.4, es fácil caer en la tentación de aplicarlo de forma errónea por estética o falta de luz, y esto muchas veces, unido a los movimientos que hagas con la cámara, terminará resultando en planos con demasiado desenfoque que llegan a marear. Para ir familiarizándote con este consejo, te propongo abrir el diafragma hasta ƒ2.8, que es justo el diafragma que caracteriza a unos cuantos de los mejores objetivos de la historia para cámaras DSLR.
Si quieres entender como grabar con diafragmas abiertos y conseguir ese efecto de desenfoque en situaciones de mucha iluminación, te invito a que le eches un vistazo al vídeo "Efecto Cinematográfico en tus Vídeos", donde te comparto algunos consejos y objetos muy económicos que te ayudarán a conseguirlo de forma sencilla.
Según la situación que estás grabando y lo que es más importante todavía, lo que quieras transmitir, es importante que realices unos movimientos de cámara u otros. Te propongo echarle un vistazo a tu película favorita para que veas como se aplica esta idea, que aunque pueda parecer que éste aspecto pasa desapercibido, realmente dota de mucha fuerza a la hora de transmitir diferentes emociones.
Si hay algo que comparten todas las grandes producciones cinematográficas, es que éstos movimientos de cámara siempre son fluidos, por ello no dudes en planificarlos de antemano y repetirlos una y otra vez, de esta forma en el momento de la edición podrás seleccionar el mejor y con ello, subir la calidad de tu resultado final.
En este caso solo voy a destacar dos beneficios importantes que aporta el utilizar el recurso de las cámaras lentas:
- Por una parte, como es evidente, tendrás mucha más libertad para jugar con las rampas de velocidad durante el momento de la edición, lo cual te permitirá conseguir acabados muy dinámicos y estéticos que recuerdan a grandes momentos en películas de Hollywood. Si todavía no estás familiarizado con las rampas de velocidad, te invito a ver el vídeo exclusivo que hice explicando todo el funcionamiento.
- Otra de las ventajas de grabar a más fotogramas por segundo de los que componen tu clip final, es el hecho de que al relentizarlos se notará mucho menos cualquier movimiento que no sea perfecto y el acabado será mucho más estable.
Solo debes hacerle caso a este consejo si verdaderamente quieres conseguir acabados profesionales con looks personales, pues es el camino para ser tú el que decide el color final de tus composiciones con mucha más flexibilidad que si grabas en el formato predeterminado de tu cámara. Para conseguir un perfil de color plano te propongo diferentes opciones para que elijas la que consideres acertada, pero debes saber que cualquiera de éstas opciones te obliga a realizar un posterior trabajo de corrección de color:
De las tres opciones que vamos a barajar, esta es con diferencia la más profesional, ya que se trata de un formato de por sí pensado para ofrecer el mayor rango dinámico posible en tus vídeos, llegando a capturar incluso 14 pasos de luz con el fin de conservar todo el detalle posible en las sombras y las altas luces. La parte negativa es que es un formato que no se encuentra disponible en cámaras para principiantes.
Si tu cámara no dispone de un formato logarítmico no te desanimes porque aquí tienes la solución. Se trata de un perfil de color muy plano ya predefinido, pero en este caso es un perfil al que no podrás llegar con la mera configuración de tu cámara y por ello, necesitas descargar el perfil de color desde la página oficial completamente gratis, y seguir las instrucciones detalladas para instalarlo en tu cámara.
Si no quieres complicarte la vida, simplemente dirígete a los perfiles de color de tu cámara y configura uno reduciendo al completo la nitidez o fuerza, el contraste y la saturación. Aunque éste es el camino más básico de todos, también notarás más flexibilidad a la hora de corregir el color de tus clips.
Por muy elevado que sea el rango dinámico del que dispongas, siempre vas a encontrar situaciones que sobrepasan las capacidades de tu cámara y te verás obligado a elegir entre luces y sombras, la exposición adecuada.
La decisión es tuya y va alineada al aspecto final que quieras conseguir, pero en mi caso, yo te propongo que evites sobreexponer tus clips, ya que me parece verdaderamente anti-estético, y sin embargo empastar algunas sombras a veces puede ser incluso atractivo.
Es importante que evites abusar de grabar planos que vemos continuamente en nuestra vida diaria, por ello te propongo rebanarte los sesos en cada momento y obligarte a buscar planos creativos de manera continuada. Para ello puedes aprender unas cuantas reglas de composición que desatarán tu creatividad, bien respetándolas o rompiéndolas. Ten en cuenta recursos básicos como la simetría o grabar a nivel del suelo.
Si de grabar vídeo se trata, es necesario colocar el balance de blancos en manual e ir ajustándolo según la situación, pues si lo dejas en automático y las condiciones de iluminación cambian, también lo hará la configuración de la cámara. Si esto sucede terminarás con unos cuantos clips con temperaturas completamente diferentes y puede ser un verdadero dolor de cabeza alinear los colores durante la edición.
Para potenciar el consejo número 8, te propongo grabar pequeños objetos. Hace algunos años leí una entrevista a uno de mis dibujantes de Manga favoritos, el gran Takeshi Obata. Imagina lo complicado que resulta diseñar continuamente planos creativos a lo largo de todo un Manga tan tranquilo y formal como Death-Note.
En aquella entrevista Takeshi Obata contaba uno de sus mayores secretos: Colocar en primer plano objetos muy pequeños y enfocar la escena desde justo detrás, como por ejemplo un florero, una botella o un pato de goma.
Al igual que es importante conocer las reglas de composición, necesitas ciertas nociones sobre la teoría de color. Si te fijas en las grandes producciones cinematográficas, todas ellas se rigen por una gama de colores muy remarcada en todo momento. Esto ayuda al espectador muchísimo a meterse dentro de la película y envolverse por la atmósfera.
Para que te hagas una idea quiero compartirte tres fotogramas de películas que reflejan lo que te comento utilizando un esquema de colores complementarios de manera diferente.
Con mucha diferencia éste es el esquema más utilizado, pues permite destacar los tonos de la piel en contraste con atmósferas frías.
Desde mi punto de vista éste es un esquema complicado, pero a la vez sublime si el trabajo de desarrolla de manera correcta, pues queda un acabado muy llamativo y diferente de lo que estamos acostumbrados.
Reconozco que desde la sala de cine me enamoré de la paleta de colores que nos regala esta película, en concreto en este fotograma vemos como los azules adquieren un matiz más verde que en el esquema Orange-Teal original y por tanto, para seguir con el esquema de colores complementarios, los naranjas se acercan un poco más al rojo.
Te invito a visitar Adobe Color, una de mis herramientas favoritas para que empieces a comprender la teoría del color. Desde ella puedes probar a configurar diferentes esquemas de color, como los complementarios, analógicos, triadas o monocromáticos. Además puedes subir fotogramas de tus películas favoritas para analizarlos o crear tus propia paletas de color.
Independientemente de que quieras ajustar tus trabajos a una paleta de colores o no, es importante aplicar siempre la corrección de color para que todos los clips vayan en consonancia, pues el simple hecho de grabar con diferentes dispositivos es suficiente para que el color de un clip no tenga nada que ver con otro, y por tanto es necesario alinearlos.
El etalonaje se entiende como el trabajo que se realiza tras la corrección de color, y es el momento en el que se aplica toda la teoría del color para dotar tus trabajos de un aspecto concreto, mucho más allá de respetar una exposición o temperatura de color correctas. Es vital que practiques esta idea una y otra vez.
Poco a poco irás encontrando lo que encaja contigo, con que ajustes te sientes más cómodo y terminarás por desarrollar tu estilo.
Aunque tus movimientos sean más fluidos y certeros que los de un ninja, durante la edición siempre vas a encontrarte con planos que no están correctamente estabilizados. A pesar de tener que asumir una cierta pérdida en la calidad, es importante tener en cuenta la estabilización digital.
Para aplicarla, en el caso de Adobe Premiere Pro, simplemente debes buscar entre os efectos el llamado "Estabilizador de deformación" y aplicarlo al plano en cuestión.
Es evidente que si quieres transmitir un calor abrasador puedes obviar este consejo, pero por lo general es importante evitar las luces duras, principalmente en el rostro, pues es infinitamente más estético trabajar con luces suaves y a poder ser, un tanto laterales.
Entendemos como hora dorada la salida y puesta del sol. Durante estos momentos la luz es mucho más estética que en cualquier otro comento del día. Esto se debe a que el sol llega con menos fuerza y con matices dorados, por lo que las sombras no son tan duras. Destacar también que durante estos periodos la luz es completamente lateral y no genera sombras anti estéticas en los ojos.
Hay infinidad de aplicaciones que puedes descargar para alertarte cada día en que momento saldrá y se pondrá el sol, algunas gratis y otras de pago. En mi caso utilizo PhotoPills, ya que además de éstas, tiene otras mil funcionalidades que la han convertido, desde mi punto de vista, en una aplicación imprescindible para cualquier fotógrafo de paisaje.
Empezando por atrás y de una forma básica y clara, la regla de los 180 grados establece que debemos grabar siempre con una velocidad que duplique los fotogramas por segundo, o que se acerque lo más posible.
Por otra parte, ha quedado establecido que la velocidad que consigue el desenfoque más estético y parecido a la realidad es 1/48, y por ello en el cine se ha convertido en un estándar la grabación a 24 fotogramas por segundo. Si quieres conseguir un efecto cinematográfico, solo tienes que probarlo.
Considero las transiciones en un buen montaje de vídeo, casi tan imprescindible como peligrosas, puesto que pueden llegar a ser tan estéticas y atractivas, que podemos caer fácilmente en la tentación de abusar de ellas, y que éstas terminen perdiendo valor.
Evidentemente cuando hablo de transiciones, no me refiero a las que vienen por defecto en tu programa de edición de vídeo, si no a las que generamos nosotros de manera independiente y creativa en una escena concreta.
Muchas veces he terminado de montar un vídeo, y el ansia por acabar y ver el resultado final o subirlo a YouTube, me han llevado a colocar una música de fondo y listo.
Te propongo que no cometas el mismo error que yo y que una vez termines con el primer montaje y la composición, mires una y otra vez el resultado final y empieces a encajar efectos de sonido y audios en cada zona que lo requiera. Esta es una de las formas más importantes para que el espectador conecte con el entorno.
Sencillo. La cantidad de grabaciones y ediciones que realices será directamente proporcional a la mejora que se reflejará en tus proyectos. así que mucho ánimo y empieza cuanto antes.
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